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Sears Roebuck: innovación en Catálogos y su Legado

Historia del Arte, estudios visuales, cultura material, mercadotecnia, psicología del consumo…

Hoy en día las grandes empresas minoristas a través de plataformas digitales mantienen catálogos de centenas de millones de productos. Quienes cuentan con un teléfono inteligente y un servicio de datos de internet, propio o proporcionado por un tercero, puede explorar igual cantidad de opciones de compra, y obtener los productos en su casa o en un buzón postal.

Las personas podemos desplazar (scroll) distintas opciones del artículo seleccionado. Sólo la yema de un dedo genera la acción de desplazarse entre un artículo y otro, así como ver las características. En la mayoría de los casos es posible ver imágenes desde distintos ángulos y revisar puntuaciones a través de reseñas de posibles clientes. Esta situación, normal en los últimos años, no es una novedad en la historia de Occidente.

Grandes almacenes en el siglo XIX se valieron de la estrategia de enormes catálogos impresos. En el caso de Estados Unidos de América, la empresa Sears Roebuck & Company, fundada por los socios Richard Warren Sears y Alvah Cursis Roebuck en 1891, alcanzó gran fama por la capacidad de abastecer casi cualquier artículo fabricado en Estados Unidos, sino también poner a la venta artículos de importación. Cabe aclarar que no son los creadores del concepto de catálogo de artículos, pero sí uno de los impulsores con mayor creatividad para adaptarlo a los contextos culturales, históricos y tecnológicos.

Estos catálogos, minuciosamente ordenados por categorías, no sólo satisfacían de los artículos necesarios para cualquier familia, persona o actividad económica, sino que ayudaron a generar la demanda de bienes no necesarios, pero deseables, a partir de sus imágenes y la ponderación de sus características, beneficios y mediante la garantía de que llegarían vía correo a gran parte del territorio norteamericano.

El sistema Sears Roebuck ha sido de interés para distintas disciplinas dentro del ámbito del comercio, la psicología de consumo, la cultura material, la estética y también, debería de serlo, para el análisis del capitalismo y la construcción del imaginario de los norteamericanos. Make America Great Again!, grito político de los republicanos es Estados Unidos, se sostiene sobre imágenes, recuerdos y la retórica política. El país de la abundancia, de la libertad, del desarrollo industrial, del abasto, de la competencia, de los transportes eficientes, entre otros aspectos, se puede seguir a través de las visualidades propuestas en diarios, revistas y, por supuesto, en los catálogos, en construcciones que se han consolidado a través de una larga duración.

Como un ejemplo de la importancia de los catálogos, proponemos la revisión inicial de uno de estos. Se trata de Consumers Guide 107 de 1898, editado por Sears Roebuck & Co.

Desde los estudios de arte, específicamente en el reconocimiento del papel de lo visual y su relación con la identidad social y la cultura material, es de gran substancia la revisión de los catálogos de distintas empresas, así como su transición de lo impreso a lo digital. Es deseable una mayor cantidad de investigaciones sobre los efectos de la publicidad visual, no sólo por lo que se revela en cada sociedad, sino para comprender el funcionamiento económico, la sostenibilidad mundial y el cambio de miradas e intereses en ciertos sectores de consumo dentro de una sociedad específica.  

Impacto de la Estética en las Vocaciones Religiosas Contemporáneas

Las personas que vivieron en los siglos XVII al XIX tuvieron como una de las principales fuentes de inspiración, para asumir la vida religiosa, las representaciones e invitaciones que se hacían desde el púlpito, la convivencia, el ejemplo de distintos carismas como parte de lo cotidiano, las devociones religiosas, la pintura en los templos, las estampas, hagiografías y, más tarde, los cromos en litografía y la prensa católica. Las corporaciones religiosas y la Iglesia diocesana contaron con la colaboración de talleres y artistas que mantenían una producción comunicativa para otras esferas de la vida, siendo varios de los talleres y artistas más reconocidos estupendos propagandistas al servicio de diferentes causas.

No faltaron tampoco, personas dentro de la vida religiosa que destacaron por su conocimiento de la plástica, e hicieron importantes contribuciones a manifestar, visualmente, los conceptos de la fe así como la invitación a considerar las vocaciones dentro de la iglesia Católica.

Con la industrialización y con la confrontación Estado-Iglesia, las vertientes de la vida religiosa adquirieron otros matices: la Iglesia Triunfante, puesta en cuestionamiento y amenazada por otros actores sociales, fue dejando a un lado la generación de discursos meramente visuales de mediana o alta complejidad, quizás incluso por falta de patrocinios o por otras razones que valdría la pena estudiar.

En las últimas décadas del siglo XX, la conformación del universo visual para la atracción de vocaciones fue dando un giro importante. Una estética más cercana a los trabajos de Margaret Keane, Kim Casalli y a otros prospectos más cercanos a la ilustración infantil. Los personajes, de grandes ojos, sonrisas amplias y gestos divertidos se hicieron comunes, para transitar al siglo XXI con el uso de formatos más estandarizados, algunos incluso provenientes de plantillas que se consiguen en diferentes repositorios. Una de las preguntas centrales es: ¿cuál es la razón de esta simplificación visual? ¿cuál es el resultado para el incremento de las vocaciones diocesanas y religiosas, tanto mendicantes, sanitarias, clericales como de contemplación?

Effigies B. V. Teresie natione hispanoe, patriâ Abulensis, genere perillustes… [Material gráfico] por Múgica y Pérez, Carlos, 1821-1878 – 1900 – Biblioteca Digital de Castilla y León, Spain – CC0.
https://www.europeana.eu/item/545/https___hispana_mcu_es_lod_oai_bibliotecadigital_jcyl_es_33510_ent0

Expression libre #01

Dis-moi, qu’est-ce qu’un « grabado » ? C’est une gravure, c’est une forme d’expression artistique. Cette ancienne discipline fut la première technique pour reproduire des œuvres en série. Les artistes dessinent et gravent sur un matériel rigide, que l’on nomme matrice. Et ensuite, ils utilisent cette matrice, remplissent les lignes d’encre, afin de reproduire le reflet du dessin. Ils positionnent une feuille de papier ou un lit de tissu, et vont venir faire pression pour que l’œuvre se transmette sur ce nouveau support.

Mais chaque gravure est différente, on n’obtiendra jamais exactement la même. C’est pour cela que les artistes vont produire un nombre déterminé d’œuvres, et chacune des reproductions de la série aura son propre numéro. L’artiste dans son procédé de reproduction ne mettra jamais exactement la même quantité d’encre, et n’obtiendra jamais la même répartition exacte, il ne pourra jamais non plus exercer exactement la même pression. Les gravures ne sont pas des copies, ce sont des objets plus organiques. C’est une recherche de la copie parfaite à l’initial mais chaque œuvre a ses propres imperfections, ses propres différences, tout comme la nature est toute aussi parfaite et à la fois imparfaite. C’est ce qui me plait des « grabados », c’est ce qui nous permet de qualifier chaque produit d’une sérigraphie comme œuvre d’art, chacun a ses propres imperfections, difficiles à distinguer mais pourtant bien présentes, chaque œuvre est unique dans ses imperfections, comme tout produit de la nature.

Animalium Marinus de Amanda Woolrich 2019
Amanda Woolrich, Alimalium marinus, 2019, basada en la obra de Henrici Laurenti (1620), grabado articulado en linóleo, 31 x 31 cm.

De plus, la gravure est une technique complexe, car l’artiste doit penser l’œuvre et son contraire, penser les lignes de vide et de plein, penser l’œuvre telle qu’elle mais aussi son négatif. C’est un équilibre incroyable entre les noirs et les blancs, ce qui est rempli de ce qui est laissé vide ou de ce qui est laissé vide et ce qui est rempli. Ce fort contraste me fascine, c’est ce qui donne toute sa profondeur à ce type d’œuvre.

A l’initial, les gravures servirent à illustrer le monde. Mais elles n’étaient alors considérées que comme illustrations, et non dans sa totalité, comme des œuvres d’art. Aujourd’hui, Amanda Woolrich permet à certaines des anciennes gravures, de revivre. Elle les redessine et les grave une nouvelle fois, puis les articule pour pouvoir les animer et créer ses animations de gravures. Elle permet à ces gravures de vivre aujourd’hui au titre d’œuvre d’art et non seulement pour illustrer les livres de sciences. Ainsi se démontre le caractère immortel de la gravure. Et grâce au travail d’Amanda, nous pouvons apprécier ces représentations anciennes et voir comment étaient certaines espèces qui aujourd’hui ont subi des mutations au fil des âges. Nous pouvons remonter le temps pour quelques instants grâce à son œuvre.

Dans le travail d’Amanda, nous découvrons également une seconde série, Paisajes. Et seulement en lisant les titres des différentes œuvres, on peut d’ores et déjà s’imaginer que l’on découvrira plus que de simples représentations de paysages. Pequeña Ciudad, Pase Usted, Acumuladores, Nostalgia Citadina, Borracho, Floripondio*… sont des maux qui touchent notre société actuelle. Cette société moderne qui cherche toujours le meilleur, et qui finalement s’écroule, produisant des peuples malades, tristes, énervés, stressés, envieux, violents,… Et cette thématique, de dénonciation des maux de notre société, est très courante dans le mouvement de l’art jeune de la gravure au Mexique. Aujourd’hui, la nouvelle génération de graveurs ne représente pas seulement le monde avec des illustrations objectives, ce sont des œuvres de dénonciation, qui mettent sous les projecteurs nos problèmes.

Amanda a également produit des œuvres pour la lutte pour la planète. Mes amis artistes graveurs également peignent régulièrement des muraux pour la défense des baleines, pour la lutte contre la production de plastique, etc. Selon mon avis, cette génération qui dénonce la société et ses maux, peut difficilement oublier les maux que nous infligeons à notre planète. Hier les gravures servaient à représenter la nature, aujourd’hui elles la défendent.

 

Valentine Medan

 

* Petite ville, Après vous, Accumulateurs, Nostalgie Citadine, Alcoolique, Daturas (plantes du jugement dernier) trompettes de la mort

Del Arte de imprimir o la Biblia de 42 líneas: aportaciones de un estudio crítico

Investigación de la Dra. Luz María Rangel Alanís para su tesis doctoral.

Tomando como objeto de estudio “La Biblia de 42 líneas impresa por Johann Gutenberg” en el Bloque Uno se comprenderán los orígenes de la industria gráfica a partir de una visión histórica de la vida de Gutenberg, Fust y Schöffer. En el Bloque Dos, se desarrolla el panorama de cómo se llega a la resolución gráfico-operativa que hizo posible la realización de los tipos móviles y su utilización en la imprenta. En la primera parte, se describen los elementos que se tenían antes de empezar la impresión; en la segunda, se analizan los elementos propios de la Biblia de 42 líneas; y en la tercera, se explica de cómo se realizó el paso hacia los tipos móviles. En el Bloque Tres, la parte práctica se divide en dos. Describe por un lado la presentación del catálogo digital de los tipos de la Biblia llamado “ginyB42” y por el otro, el análisis de clusters para comprobar con exactitud la existencia de diversas matrices de fundición para una misma letra.

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Visita al Taller de Grabado Fernando Sandoval

Los impresos son testimonio de una cultura material que hemos discutido en este primer coloquio. Así que la jornada del sábado comenzó con la visita al Taller de Grabado de Fernando Sandoval, reconocido como uno de los principales talleres de este tipo en la ciudad de Oaxaca.

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